Si Bob Dylan est un sujet de fascination, c'est que ses chansons sont en prise avec l'inconscient collectif de l'Occident, avec sa civilisation, d'Homère à la Bible en passant par le blues, le folk, l'Antiquité et la Beat Generation, n'en omettant presque aucune source culturelle, religieuse ou historique. Depuis les années 1960, Bob Dylan ne s'est pas contenté dans ses albums et ses concerts de réunir Elvis et Shakespeare, les Beatles et Rimbaud, le rock et la poésie, la chanson et la littérature, il a aussi inventé des images et des aphorismes qui ont transcendé l'expression du XXème siècle.
Cet ouvrage a vocation à éclairer l'apport des chansons de Bob Dylan au regard de la musique, de la littérature et de la culture modernes.

Yves Bigot a présenté de nombreuses émissions sur Europe 1 et France Inter, dirigé les antennes de France 2 et RTL et présidé TV5MONDE jusqu'en juin 2024. Il est désormais président de la Fondation des Alliances Françaises et chroniqueur à Rolling Stone. Aux éditions Le mot et le reste, il est l'auteur de Manu Dibango (2023). Lire la suite Fermer

L'OEuvre d'art à l'époque de sa reproductibilité technique annonce, dès son titre, le tournant opéré par la modernité : Benjamin montre dans cet essai lumineux que l'avènement de la photographie, puis du cinéma, n'est pas l'apparition d'une simple technique nouvelle, mais qu'il bouleverse de fond en comble le statut de l'oeuvre d'art, en lui ôtant ce que Benjamin nomme son "aura". L'auteur met au jour les conséquences immenses de cette révolution, bien au-delà de la sphère artistique, dans tout le champ social et politique. Un texte fondamental, dont les échos ne cessent de se prolonger dans les réflexions contemporaines.

En quoi la musique africaine-américaine est-elle inséparable des luttes contre le racisme systémique américain ? Cet ouvrage entend répondre à cette question partant de l'arrivée des premiers déportés africains sur le sol américain en 1619 jusqu'au mouvement de Black Lives Matter. À la fois témoignage des réalités sociales et célébration de l'identité noire, la musique a toujours été un instrument de combat contre les injustices structurelles. Au-delà de faire danser ou de vendre des disques, la soul, le jazz ou le hip hop expriment avant tout l'aspiration à un changement social. Nina Simone, Marvin Gaye, Bessie Smith, Public Enemy, Odetta et Archie Shepp pour ne citer qu'eux sont autant de figures emblématiques du combat des Africains-Américains pour l'égalité, la justice et la dignité.

Né en 1972, Christophe Ylla-Somers est titulaire d'un master d'histoire médiévale (Paris 1 La Sorbonne) et DJ (Soul, Funk, Disco, Boogie). Depuis plus de vingt ans il promène ses vinyles de clubs en soirées, du Baron au Bus Palladium, du Mellotron à Radio Meuh, en passant par Bruxelles, Tunis, New York et le Festival de Cannes... Il est aussi auteur de deux livres jeunesse en collaboration avec Yvan Pommaux, Nous, notre histoire et La Commune chez l'École des Loisirs. Lire la suite Fermer

Les plus belles fleurs poussent dans le fumier, dit l'adage. La musique américaine a germé à La Nouvelle Orléans à l'aube du XXe siècle. Dans les bas quartiers où ils sont nés, musiciens et gangsters ont scellé une alliance aux intérêts réciproques. Ils ont cheminé côte-à-côte des bordels de Storyville aux buildings de Los Angeles, profitant du tremplin des clubs d'Al Capone et des théâtres de Broadway. Partout où la pieuvre mafieuse a étendu ses tentacules la musique a explosé. L'âge d'or de la Prohibition a offert à la pègre le contrôle de l'activité musicale. Jazz, blues, rock et pop ont évolué sous la protection des parrains jusqu'aux années 1990. Nourri d'anecdotes et de témoignages, ce livre retrace cette épopée vécue par Louis Armstrong, Fats Waller, Duke Ellington et bien d'autres.

Spécialiste des musiques américaines, né en 1984, Steven Jezo-Vannier explore leur histoire et les phénomènes sociaux qui les accompagnent, des racines du jazz au rock des sixties. Il leur a consacré une quinzaine d'ouvrages, biographies (Frank Sinatra, Ella Fitzgerald), monographies (The Doors, Creedence), et films documentaires (Dieu, Diable et rock'n'roll). Lire la suite Fermer

Funk maoïste, folk bipolaire, disco terroriste, afrobeat parano, gospel bouddhiste, country métaphysique De 1977 à 1988, les Talking Heads ont enregistré de vibrants paradoxes qui marient jeux conceptuels et groove impérieux. À l'écoute de pareilles anomalies, un mélomane est en droit de se demander: «Eh bien, comment en sont-ils arrivés là?» Ce livre retrace le parcours de ces quatre étudiants en art, analyse le charme ambigu de leurs albums, raconte comment ils ont débuté dans un bar crasseux de New York et cherche à expliquer comment une bassiste novice a tutoyé les maîtres du funk, comment un chanteur gauche et réservé s'est mué en scientifique de l'étrange. Leur évolution trace une grande courbe qui met en lumière les extases et les violences que réserve le show-business.

Né en 1982, John Raby est enseignant-chercheur en esthétique, spécialiste de la philosophie de la musique. Il est l'auteur d'une thèse intitulée Gilles Deleuze: musique, philosophie et devenir, d'une critique de la littérature de Witold Gombrowicz entre autres. Il a également participé aux conférences de «Zappologies» organisées à la Philharmonie de Paris en 2018. Aux éditions Le mot et le reste, il est l'auteur de Frank Zappa (2023). Lire la suite Fermer

1977. Le punk bat son plein et Johnny Rotten se balade avec un tee shirt « I hate Pink Floyd ». C'est ce moment que choisit le groupe pour sortir son album le plus agressif. S'appropriant la critique du régime soviétique par George Orwell dans La Ferme des animaux, Waters s'en prend au capitalisme. Comme si la foi perdue depuis Wish You Were Here était revenue, c'est un groupe resserré et terriblement efficace qui enregistre ce nouvel opus. Pourtant les dissensions au sein du groupe atteignent leur paroxysme lors du dernier concert de leur tournée à Montréal. Souvent sous-estimé, Animals a aujourd'hui retrouvé grâce auprès des fans. Les solos flamboyants de Gilmour, la hargne de Waters, les derniers éclats de Wright et la batterie fougueuse de Mason font d'Animals un album essentiel.

Guitariste, spécialiste de l'histoire et de l'analyse des musiques actuelles, Philippe Gonin enseigne à l'université de Bourgogne. Aux éditions Le mot et le reste, il a dejà publié des ouvrages sur les disques Dark Side Of The Moon, The Wall et Wish you were here des Pink Floyd ainsi que sur le groupe The Cure. Lire la suite Fermer

Depuis le début des années 1970, le hip-hop est tourné vers les autres cultures. Le sampling, ou l'échantillonnage, est la pratique musicale qui illustre le mieux ce paradigme. Le rap français, dès les années 1980 et jusqu'à nos jours, s'est également basé sur cet art de la ressource. En reproduisant ce que faisaient les Américains, certes, mais aussi en y ajoutant ses spécificités, son attrait pour les samples de musiques arabes, d'extraits de doublages de films, de musique classique, de chanson française... De cette alliance entre tradition rap et réappropriation a jailli une richesse musicale que ce livre tente de représenter. À travers cent exemples de samples, mais aussi en donnant la parole à quelques acteurs majeurs, historiques ou atypiques de l'histoire du sampling en France.

Brice Miclet est journaliste musical pour Libération, Tsugi, Harper's Bazaar, Les Inrockuptibles, Ouest France, Bikini ou encore Slate. Lire la suite Fermer

Stravinsky : nom légendaire ! Comptant parmi les compositeurs les plus marquants et controversés du XXe siècle, Stravinsky fit scandale dès 1913 avec Le Sacre du printemps, véritable révolution rythmique et harmonique.

Conversations avec Stravinsky embrasse ainsi toute une existence, de l'enfance dans la Russie impériale à la collaboration avec Diaghilev, Nijinsky et les Ballets russes.
Que ce soit par l'évocation de sa propre méthode de composition, de son rapport à la musique et des artistes qu'il a côtoyés, jusqu'à sa vision de la musique contemporaine, Boulez et Stockhausen en tête, ces entretiens nous plongent dans une époque d'une grande richesse artistique.

Peu d'entretiens auront donné un tel accès à la biographie d'un compositeur de cette envergure.

Né en 1882 à Oranienbaum et mort en 1971 à New York, Igor Feodorovitch Stravinsky est un compositeur russe, naturalisé français en 1934 puis américain en 1945, qui a profondément marqué la musique classique, notamment par ses trois ballets L'Oiseau de feu (1910), Petrouchka (1911) et Le Sacre du printemps (1913). Ami du chef d'orchestre et critique musical Robert Craft (1923-2015), un grand nombre d'enregistrements a découlé de leur amitié. Lire la suite Fermer

Philippe Blasband a participé à plus d'une centaine de scénarios, dont plusieurs dizaines ont été tournés et diffusés. Certains de ces films ont même eu un succès international (entre autres Une liaison pornographique, Irina Palm, Les émotifs anonymes). Il a aussi eu des échecs cuisants.

Il s'est bien amusé, et il en a bavé.

Dans ce livre, il évoque sa vie de scénariste, et tente aussi d'analyser ce que c'est, finalement, un scénario. Il parle des relations de cause à effet dans l'écriture ; des rapports entre le scénariste et le reste de l'équipe qui fabrique le film ; de l'importance de l'intuition chez les scénaristes. Il y utilise la masturbation et la sexualité comme métaphores de l'écriture.

Ceci est un manuel, mais le plus personnel et à vif possible.

Philippe Blasband est belge. Il est né à Téhéran, le 26 juillet 1964 (le même jour que Sandra Bullock).

Il a étudié le montage cinéma et vidéo à l'INSAS.

Il a écrit des films, des pièces de théâtre, des romans. Il a parfois réalisé et mis en scène.

Il boit beaucoup de thé vert et mange trop de chocolat. Mais il arrête quand il veut.

Il vit à Bruxelles, avec son épouse, la comédienne Aylin Yay, leurs deux enfants Théo et Ellie, et un vieux bouledogue français, prénommé Pétunia. Lire la suite Fermer

Parmi les grands guitaristes britanniques des années soixante et soixante-dix, Rory Gallagher est sans doute le plus sous-évalué. En 1972, les Londoniens le placent pourtant devant Eric Clapton et Jimmy Page. Il faut dire que depuis son Irlande natale, l'ascension de Gallagher avait été météorique d'abord avec le groupe Taste puis avec sa propre formation. Que s'est-il passé ensuite ? Encore quelques albums remarquables, nombre de concerts, mais aussi des démons qui rongent le guitariste, mort à 47 ans et tombé peu à peu dans l'oubli. Ce livre réunit douze de ses chansons, comme les mesures d'un blues, afin de retracer le parcours de celui qui fut un guitariste exceptionnel mais aussi un multi-instrumentiste virtuose, un chanteur possédé, un compositeur sensible, ainsi qu'un homme simple.

Neville Rowley est historien de l'art, spécialisé dans la Renaissance italienne. Il a vécu et travaillé à Paris, Berlin, Rome, New York et Sao Paulo. De par ses origines irlandaises et sa passion du blues, il est familier depuis longtemps de l'univers de Rory Gallagher. Lire la suite Fermer

En 1978, une jeune femme de 19 ans choisit contre l'avis de sa maison de disques une chanson à l'étrangeté lunaire qui détonne en pleine déferlante punk : « Wuthering Heights » sera le 45-tours qui lancera sa carrière. Dès ses débuts, Kate Bush a cultivé un sens de l'audace et de l'autonomie, transgressant de manière unique les codes de la pop, imposant sans compromis sa vision. C'est la chercheuse de sons qui délivre en 1982 le stupéfiant The Dreaming puis en 1985 l'emblématique Hounds of Love. C'est l'architecte mature de Aerial, en 2005, puis six ans plus tard de 50 Words for Snow, autant d'albums où elle parvient à se réinventer magistralement. Après sa première et dernière tournée en 1979, cette icône est revenue sur scène en 2014 pour une triomphale série de concerts londoniens. Au-delà du parfum de mystère entretenu par de régulières et parfois longues disparitions, ce sont bien la force de sa musique et l'intégrité de sa démarche qui ont fait de Kate Bush une référence transcendant les styles et les générations. Lire la suite Fermer

La vague #MeToo a touché le domaine de la musique tardivement, mais elle a révélé le vaste spectre des violences sexistes systémiques touchant professionnelles et fans. En parallèle, le féminisme n'a jamais été aussi revendiqué par les chanteuses. À partir de ces constats, Morgane Giuliani pose de nombreuses questions, aujourd'hui incontournables, interrogeant la place de la féminité, de l'amour, du féminisme dans la musique. C'est à travers l'étude contextualisée des discours des chanteuses populaires contemporaines majeures _ de Madonna à Beyoncé, en passant par Taylor Swift, Angèle, Lizzo ou Diam's _ de leur réception et des enjeux qui leur sont liés, qu'elle entend y répondre mettant ainsi en lumière les luttes et stratégies de ces artistes.

Morgane Giuliani est une autrice et journaliste vivant à Paris. Après avoir étudié le journalisme à Sciences Po, elle s'est spécialisée dans les questions culturelles et sociétales, avec un prisme féministe et pop-culture. Elle a notamment été cheffe de rubrique Culture et Société pour le site du mensuel féminin Marie Claire. Lire la suite Fermer

Pour la premiere fois retracee par le journaliste Renaud Machart, l'histoire du formidable renouveau de la musique baroque dans la deuxième moitié du XXe siècle, ses principaux jalons, ses principales figures. « Jouer baroque », c'est essayer de restituer le plus authentiquement possible la musique des XVII et XVIIIe siecle. Les musiciens tenant de ce retour, dits « baroqueux », ont fait redecouvrir tout un repertoire oublie. Parmi eux, d'extraordinaires musiciens, Nikolhaus Harnoncourt, Gustav Leonhardt, France William Christie ou Jean-Claude Malgoire, et une foule d'ensembles. Un ouvrage de reference tres documente, qui fait egalement la part belle aux souvenirs.

Musicologue et chanteur de formation, Renaud Machart, né en 1962, est l'auteur, entre autres ouvrages, d'un Francis Poulenc (Le Seuil, 1995) et a cosigné avec Vincent Warnier Les Grands organistes du XXe siècle (Buchet-Chastel, 2018). Spécialiste de la musique américaine du XXe siècle, il a publié, chez Actes Sud, des monographies consacrées à John Adams (2004), Leonard Bernstein (2007) et Stephen Sondheim (2013) ainsi que l'essai La musique minimaliste (2023). Lire la suite Fermer

Historiquement associée à l'ordre (« Architecturer, c'est mettre en ordre » disait le Corbusier) et à des démonstrations de pouvoir, l'architecture semble aujourd'hui difficilement conciliable avec la construction d'une société écologique.
Chercheur et architecte, l'auteur fait dialoguer avec sensibilité ses réflexions et les luttes sociales et écologiques. En nous invitant à partager ses questionnements et tâtonnement dans cette refonte d'une architecture plurielle, il démontre ainsi l'importance que toutes et tous prenions part aux débats sur les devenirs de l'architecture et, plus largement, des processus par lesquels se font nos lieux de vie, afin de rendre l'architecture conciliable avec l'écologie sociale.

Architecte et docteur en architecture, Mathias Rollot est maître de conférences à l'École nationale supérieure d'architecture de Grenoble. Également auteur, éditeur ou traducteur, il a publié une quinzaine d'ouvrages sur l'architecture et le monde contemporain dans une perspective écologiste. Ses recherches actuelles mêlent écologies décoloniales et philosophies éthiques, animalistes et environnementales, dans l'idée de contribuer à la production de théories critiques de l'architecture. Lire la suite Fermer

Stilettos, sweat en néoprène Marc Jacobs, mini-short fluide en mousseline, chignon bas. La mode a ceci d'original qu'elle ne confère nulle utilité pratique aux choses utiles, en l'occurrence se chausser et se protéger du froid. Elle est fondamentalement arbitraire. Et c'est ainsi qu'elle exerce pour Simmel son empire. Elle n'est pas un besoin vital mais un besoin social. Ou, plutôt, elle résulte de deux besoins sociaux contradictoires : l'instinct d'imitation et l'instinct de différenciation. L'homme manifeste dans le choix de ses vêtements son appartenance à un groupe. Il s'adapte à travers eux au rôle que lui assigne la communauté dans laquelle il vit. Mais dans le même temps, il ressent le besoin de se différencier, d'accuser au coeur de la société son individualité. Adopter un style d'une autre communauté, c'est d'emblée se détacher de son groupe d'origine. En raison de la variété de ses contenus, la mode d'aujourd'hui affirme sa singularité par rapport à celles d'hier et de demain. Mais elle le fait d'autant mieux qu'elle marque ainsi la différence de classes. D'après Simmel, la classe moyenne serait la plus sensible à ses caprices. Prompte au changement, elle se reconnaît dans ce qui est le moteur de la mode : créer un présent sans cesse mouvant, comme toute marchandise. Lire la suite Fermer

Comment choisit-on un scénario? Qu'est-ce qui détermine le style d'un film? Comment gérer un tournage en extérieur avec une centaine de figurants ? Que faire pour maintenir la concentration d'un acteur au bout de la dixième prise ?Étape par étape, Sidney Lumet aborde tous les aspects de la création cinématographique, de l'écriture à la post-production : le casting, les répétitions, le choix des décors et des costumes, le tournage et le montage, la conception de la bande-son..., jusqu'au moment fatidique de la première projection. Auteur de nombreux classiques (Serpico, Un après-midi de chien, 12 hommes en colère), Lumet offre avec ce livre le point de vue rare d'un cinéaste sur son propre travail et sur son art, nourri d'une longue expérience à Hollywood où il a tourné avec les plus grandes stars (de Katharine Hepburn à Al Pacino). À la fois mémoires professionnelles fourmillant d'anecdotes et guide pour apprenti réalisateur, Faire un film est une plongée saisissante dans les coulisses du cinéma. Lire la suite Fermer

Peut-on parler d'une seule et même musique arabe ? Comment circonscrire géographiquement et stylistiquement un genre musical aussi vaste ? Le projet de cette anthologie est de montrer qu'il n'y a pas qu'une musique arabe, tout en révélant l'unité musicale qui rassemble une vingtaine de pays aux langues, à la culture et au développement différents. Quels sont les points communs entre Rachid Taha, Oum Kalsoum et Omar Souleyman ? Entre les artistes kurdes, libanais ou kabyles ou les musiques populaires, savantes ou religieuses de ces régions ? À travers une centaine d'enregistrements, qui feront passer le lecteur des musiques traditionnelles à leurs réinterprétations pop, se dessine une riche cartographie musicale, propice à une déambulation sonore inédite.

Née en 1987 à Nantes, Coline Houssais est une spécialiste des cultures du monde arabe. Passée par l'Institut d'Etudes Arabes de Damas, elle enseigne désormais à Sciences Po. Traductrice, journaliste, productrice, elle a créé deux performances musicales : les Rossignols de Bagdad, sur l'âge d'or de la musique irakienne, et Casseta, sur les archives sonores de la communauté kabyle en France. Coline habite en général dans un train, entre deux voyages. Lire la suite Fermer

Depuis le jazz jusqu'à la house, Chicago a vécu la plupart des grandes pulsations musicales du xxe siècle rythmant l'histoire de l'Amérique et de la lutte pour les droits civiques. Streets of Chicago guide le lecteur à travers tous les lieux témoins de cette aventure qui démarre avec les musiciens de jazz fuyant la pauvreté de La Nouvelle-Orléans dans les années vingt - parmi lesquels Louis Armstrong -, l'éclosion de clubs historiques et l'invention du gospel, dont la reine Mahalia Jackson est inséparable de cette ville. Le trajet se poursuit en compagnie des bluesmen du delta du Mississippi qui, comme Muddy Waters, investissent la Windy City en quête de gloire ; la légende des studios Chess et de Chuck Berry, pionnier du rock'n'roll et se prolonge avec la soul de Chicago, Curtis Mayfield, le label Curtom, les Staple Singers, les Blues Brothers et l'incroyable famille Jackson. Sans oublier les véritables Chicagoans que sont Sam Cooke, Earth, Wind & Fire et Chaka Khan. La visite se conclut avec la house qui voit le jour dans les années quatre-vingt-dix et puise ses racines dans ce melting-pot musical exceptionnel.

Philippe Brossat est né en 1954, la même année que le rock. Publicitaire, il a consacré une bonne partie de ses loisirs à arpenter le monde à la recherche des lieux mythiques de l'histoire de sa musique préférée. Aux éditions Le mot et le reste il a publié Places I Remember, Streets of New York, Streets of Los Angeles et Londres et Liverpool, avec les Beatles. Lire la suite Fermer

Nul doute pour John Cage, il serait un artiste. Mais, de là à choisir une seule et unique forme d'expression artistique, il y a toute une vie : architecture, peinture, composition de musique, théâtre, art du cirque, Cage touche à tout, laisse de côté, puis revient, et décide finalement que c'est la musique qui l'anime. Cette musique, cependant, il l'expérimente : Cage repousse les règles académiques et base ses oeuvres sur le silence et le hasard. Par ces fragments de 1989, d'une écriture fluide et ramassée, le compositeur dresse un tableau à la fois succinct et complet des moments forts et charnières de sa vie pourtant extrêmement riche, tout en va-et-vient, recherches et changements d'avis. Le tout, sans jamais se défaire de son humour et de son esprit de dérision inimitables.

Compositeur de musique contemporaine expérimentale de génie, sans doute le plus stimulant du XXe siècle, mais aussi poète et plasticien, John Cage (1912-1992) est l'nventeur du piano préparé. Celui-ci consiste à placer divers objets entre les cordes de l'instrument afin d'en modifier le timbre, Il est aussi l'initiateur de la musique électronique. L'une de ses oeuvres les plus célèbres est sans doute 4'33'', un morceau joué en silence. Lire la suite Fermer

Nos villes sont peuplées d'une étrange espèce, hybride, à cheval entre le réel et le virtuel, mi-homme mi-smartphone : les smombies. Le smombie c'est ce mot valise entre "zombie" et "smartphone" inventé pour décrire les piétons si absorbés par leurs écrans qu'ils ne remarquent plus ce qui les entoure. Une réalité quotidienne à laquelle nous sommes tous confrontés. Dans le métro, dans la rue, dans une salle d'attente etc. Avec ses collègues, ses amis, ses parents, ses enfants, soi-même - surtout avec soi-même. Le smombie est partout. Du zombie il a gardé la démarche hésitante, trébuchante, maladroite. Il lui a aussi pris la propagation. Car à mesure que les yeux se baissent, que le monde se tait, que la vie se déverse sur les écrans, la tentation de sortir le sien de smartphone grandit.

Hubert Beroche est le fondateur de URBAIN AI, une organisation dédiée à l'IA en ville. Lire la suite Fermer

Oxford, 1986. Radiohead donne son premier concert officiel sous le nom On A Friday. Héritier du rock indépendant anglais et alternatif étasunien, le groupe rencontre le succès avec le single « Creep » dès 1993 et ne cesse jamais de remettre en question son style, notamment sur les albums OK Computer en 1997 et Kid A en 2000. Ses membres Thom Yorke, Jonny Greenwood, Ed O'Brien, Colin Greenwood et Phil Selway cumulent neuf albums en groupe, sept en solo, quatre collaboratifs et douze bandes originales. Ce livre retrace leur histoire tout en détaillant les sessions d'enregistrement produites par Nigel Godrich, l'analyse des chansons, des pochettes signées Stanley Donwood sans oublier les tournées et les innovations promotionnelles telles que la distribution d'In Rainbows sur Internet en 2007.

Matthieu Thibault est l'auteur de Bitches Brew, ou le jazz psychédélique, de Sonic Youth et de David Bowie, l'avant-garde pop aux éditions Le mot et le reste. Diplômé en musicologie et fort de son expérience d'enseignement au collège et à l'université, il donne des conférences et produit également des albums au sein du groupe de rock The Snobs sous le nom Duck Feeling. Lire la suite Fermer

Héroïne spectrale à l'origine de la série Twin Peaks créée par Mark Frost et David Lynch, Laura Palmer est à la fois l'un des personnages les plus mystérieux de l'histoire du cinéma et, sur le papier, l'un des plus communs qu'on puisse rencontrer. Tout à la fois prom queen, femme fatale et demoiselle en détresse, Laura Palmer vogue sur le continuum reliant victime et vengeresse, accumule les masques jusqu'à devenir un personnage de fiction universel, figure fondamentalement multiple menaçant l'ordre établi par-delà la mort. Reine des absentes au royaume des reflets brisés, Laura Palmer résiste à la désincarnation en s'incarnant en puissance sous toutes sortes de peaux, (ré)animée par la colère du grand corps collectif que forment, comme une armée, les personnages féminins de Twin Peaks.

Née en 1994, Louise Van Brabant est chroniqueuse littéraire, collaboratrice scientifique à l'université de Liège, libraire. Depuis la fin de son Master en arts du spectacle (orientation cinéma), elle a participé à différentes publications collectives, numéro de revues papier ou en ligne, en Belgique et à l'étranger. Ses domaines de recherche concernent les liens entre les humains, les non-humains et les territoires, ainsi que leur représentation dans la littérature et le cinéma contemporains. Lire la suite Fermer

Adressé comme une invitation à rejoindre un dancefloor fin de siècle, Music Sounds Better With You nous convie à une explosion musicale sans précédent dont l'épicentre de la fête est Paris. Chaque jour de la semaine, se déclinent des soirées inventives et frondeuses : Hype au Palace, Respect is Burning au Queen, Cheers à la Coupole... Les étincelles electro rayonnent bientôt jusqu'en Angleterre où on raffole de cette French Touch, embrasent le Twilo de New York et les clubs du monde entier. Lancés corps et âme dans une nuit sans fin, cinq protagonistes engagent tout entière leur jeunesse fougueuse pour la cause electro. Philippe (Zdar), Dimitri (From Paris), David (Blot), Frédéric (Agostini) et Pedro (Winter) sont loin de se douter que le coeur de leur aventure prendra bientôt des airs de légende.

Raphaël Malkin est journaliste à Society et Radio Nova. Il est également le co-fondateur et rédacteur en chef de Snatch Magazine. Pour ce livre il a enquêté pendant plus d'un an. Lire la suite Fermer

Dans cette conférence donnée à New York en 1948, John Cage jette un regard lucide sur les débuts de sa carrière ponctués d'anecdotes édifiantes. C'est avec la plus totale sincérité que John Cage décrit ici le cheminement qui l'a conduit à devenir compositeur. Il a d'abord commencé par des études d'architecture. À ce sujet, il raconte, non sans humour, un voyage en France, pays qui lui sembla totalement recouvert d'architecture gothique ! Mais très vite, il se tourne vers la peinture et la composition. Il détaille ses influences, ses préoccupations et ses envies. L'éventail de ses références est à cet égard vertigineux : les mouvements de la danse moderne, le jazz, les futuristes italiens ou encore les rites des Indiens Navajo. Sans crier gare, il livre là, de manière extrêmement limpide, une théorie de la musique avant tout tirée de son expérience. On y apprend notamment que sa musique était diffusée à la radio durant la guerre pour démontrer que l'Amérique aimait l'Orient... John Cage se révèle ici, outre un "maître du hasard" à la manière de Duchamp, un immense pédagogue. Lire la suite Fermer